從4月29日到5月1日，當代昆曲《春江花月夜》在臺北連演三天，近4500個座位實現了八九成的上座率。此劇由上海昆曲名角張軍領銜主演，集結兩岸藝術精英陣容共同打造。

大量年輕觀眾為此劇湧進劇院，他們大多坐在頂樓的觀眾席，其中不少聽過張軍此前的昆劇講座，感召之下自己買票來看戲。首演當晚，一群女中學生在走出劇場後興奮地叫道：“實在太好看了！”然後站在劇場大廳癡等主演簽名。

此次演出的成功離不開兩岸戲劇力量的“合璧”。除張軍、史依弘、魏春榮等大陸名角組成的主演團隊外，還集結了臺灣國光劇團導演李小平和臺灣雲門舞集的御用班底。此外，服裝設計林璟如、舞美設計王孟超、視覺設計霍榮齡、攝影劉振祥等，都是臺灣各領域的領軍人物。這是他們首次通力合作為大陸昆曲做設計。“他們已經十多年沒在同一個項目中出現了，這是一次非常難得的兩岸藝術連袂！”李小平說。

從逃劇到追劇的年輕人

“最初看到李小平導演列出的臺灣藝術家邀請名單時，我都驚了，我一直是他們的粉絲，沒想到最後真的夢想成真。”張軍說，長期以來他非常關注臺灣文創團體的發展，希望借助他們的力量實現昆曲的當代創新。

從藝近30年來，張軍親歷昆曲浮沉，深知這門有著600年歷史的古老藝術處境艱難。他告訴記者，上世紀90年代昆曲經歷最慘澹的時期，“經常是臺上30人，台下3個人。”他記得有一次去大學演出，校方為了讓場面好看，就把劇場的大門鎖了，結果那些沒興致看戲，又惦記著第二天考試的學生，竟然一個個翻牆逃走了。

從那時起，張軍決定要有所改變。他從進校園宣講昆曲做起，十多年來，能去的地方都去過了，至今約有20萬人次聽過他的講座。“昆曲的觀眾只能慢慢培養”，張軍說。

2004年，臺灣作家白先勇主持製作的青春版《牡丹亭》首演，之後在兩岸產生巨大影響。在兩岸藝術家的共同努力下，近年來，年輕人已經成為昆曲觀眾主體。有調查顯示，三分之二的昆曲觀眾是18到35歲的年輕人。

2009年，張軍從上海昆劇團辭職，成立自己的民營昆劇團，“我要把自己想做的做出來”。張軍深知，昆曲藝術根基深厚，也有足夠的資本向當代開放，所以他決心推出這部原創作品《春江花月夜》，並邀兩岸藝術家、京昆兩界藝術家共同加入。“當代昆曲可以是非常開放的，可以讓這麼多不同領域的藝術家一起為昆曲的新樣貌努力。”

作為《春江花月夜》的製作人和主演，張軍近來頻繁往來於臺灣和上海。他表示，此次和臺灣團隊合作，是一次取經的過程。在參訪交流中，臺灣文藝團體注重和民眾之間的互動，是讓他最為觸動的地方之一。在劇團和演出管理方面，臺灣團隊也有很多先進經驗值得學習。

“為了推廣昆曲，最近我去了臺灣的好幾所學校，希望讓昆曲更多地和年輕人在一起。昆曲的當代性中最重要的就是回到年輕人的身邊。”張軍說，《春江花月夜》在臺北的演出只是一個開始，之後還希望通過各種方式在臺灣深耕年輕昆曲觀眾。

合作令古典更現代

李小平近年來與大陸戲曲界交流頻繁，曾與大陸劇團合作川劇《夕照祁山》、京劇《金縷曲》等，並獲得廣泛讚譽。在他看來，昆曲《春江花月夜》從故事、唱腔、表演方式看，都是一出古典作品。

李小平說：“昆劇裏有宇宙觀，它讚美愛情，但超越愛情；描摹人性，但超越人性；感歎時間，但超越時間。《春江花月夜》正是這樣一個觸及人性和時空的戲。”在執導過程中，他思考最多的就是如何用舞臺呈現讓昆曲喚醒觀眾內心深處的感動。

當代戲曲的重要變化就是，借鑒西方的舞臺設計、換景處理和多媒體運用等，從而取代傳統“一桌二椅”的舞臺模式。中國傳統舞臺以“空台”為主，體現“留白”美學和“寫意”精神，而當代戲曲的舞臺日趨華麗和複雜。

《春江花月夜》則處處體現著古典和現代的平衡。在舞臺上，核心意象“明月橋”做了實景處理，而且可以靈活組裝，貫穿全劇又能隨場景變化，既有視覺吸引力，又不擠壓演員的表演空間；在服裝設計方面，既有傳統昆曲服飾之美，又有當代時尚元素之妙，劇中張若虛之乳白、張旭之藏青、辛夷之深紅、曹娥之淺綠，都非常符合人物身份和氣質。

為了服飾之美，劇組邀請業已退隱的臺灣資深服裝設計師林璟如重新出山。她幾赴蘇州、南通，走訪多家刺繡作坊，選制十二款紗料與刺繡，以區分角色性格，辛夷的那件服裝光粉色就分出了六種。

在林璟如看來，傳統戲曲是“一桌二椅”加大白光，但如今再把傳統戲曲服裝放到現在的舞臺燈光下，所有的感覺都是不對的，“我們需要和整體舞臺視覺都相配的服裝，這也是當下戲曲服裝設計的意義所在。”

京劇的服裝可以有大紅大綠，而昆曲則應該淡雅夢幻。“我希望它更像江南水鄉的那種雲淡風輕、煙霧繚繞的夢幻感覺。”林璟如表示，“張軍希望我通過這部戲，在大陸這邊帶出一個團隊，引進一些新的思想和觀念。這是讓我覺得最有意義的事，比做一部戲來得更有意義。”

談到兩岸藝術家的合作，李小平表示，《春江花月夜》帶來了非常難得的藝術連袂。兩岸合作在文化上是全然沒有藩籬的，在整個製作過程中沒有任何有形的或無形的界限。“文化是進入人心的，所以文化的對話是完全無痕的。”

戲劇合璧優勢互補

其實，早在青春版《牡丹亭》製作過程中，兩岸戲曲精英就已經嘗試了共同打造精品的模式。白先勇看到，臺灣培養出了一批舞臺藝術家，包括舞美、燈光、服裝設計、劇本等方面。而大陸有一流的演員，有嚴格的傳承和扎實的功底。兩岸資源整合有利於傳統戲劇的再造與振興。

從兩岸交流的歷史看，傳統戲曲一直保持著良好的互動。以昆曲為例，從上世紀90年初開始，上昆、北昆、蘇昆等大陸主要昆劇團就輪番踏上臺灣舞臺。在臺灣受到熱捧，鼓勵了當時處於低谷的大陸昆劇團走出困境，通過演出也培養了一批年輕演員。而大陸劇團的來訪和傳授，也提升了島內昆曲的專業水準。1999年，臺灣昆劇團成立；2000年，臺灣聯合昆劇團成立。

臺灣劇團的創新特點和它們的基本處境有關。長期以來，觀眾少、行家少，制約了臺灣“傳統戲曲”的傳承，但也釋放了臺灣“傳統戲曲”的改革能量。

國光劇團藝術總監王安祈說：“我最費心的就是如何揚長避短。”這樣才有了“京劇新美學”。國光的京劇在題材選擇上注重話題性，以便增加觀賞性，如《孟小冬》；在包裝上，但求唯美時尚、性感動人，如《水袖與胭脂》；在形式上，跨界成常態，《百年戲樓》是舞臺劇與京劇唱段的交融。臺灣劇團的此類實踐經驗後來“反哺”了大陸劇團的創新探索。

“簡言之，大陸有最好的昆曲演員，臺灣有最好的昆曲文化人與觀眾，如此結合，就撐住了底盤。而這樣的情形往前一步，也就成為最好的製作團隊與最好的昆劇演員形成的黃金組合。”文化評論家林谷芳近日撰文指出，所謂“優勢組合”，更貼切的說法是“優勢互補”。